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LE MIX EN THÉORIE

C'est lors de l'étape du mixage qu'on va équilibrer les instruments, les placer dans l'espace sonore, régler leurs volumes, arranger leurs fréquences, corriger ou masquer les défauts. L'objectif est que tous les instruments trouvent leur place, qu'ils soient discernables et que l'ensemble soit agréable à écouter.

Dynamique
Égalisation
Panoramique
Compression
Réverb
Delay
Profondeur
Conclusion

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DYNAMIQUE

La dynamique est l'écart entre le niveau le plus faible et le niveau le plus élevé d'un son. Mais bon, on fait du rock, on veut que ça déboîte, y a rien qui doit être faible, non ? La batterie doit cogner, les guitares doivent gratter, la basse doit tout faire vibrer et la voix doit envoyer ! Faut que ça pète !... Ouh là ! On se calme !

Si tout est fort, rien ne ressort

Eh oui. C'est logique. Si tout est à fond tout le temps, rien ne se distingue du reste. Or c'est précisément les contrastes qui font ressortir aussi bien les subtilités que les moments de déchaînement. Comment arriver à soudainement emporter l'auditeur dans un ouragan sonore si vous lui avez déjà fait traverser tempêtes et typhons sans discontinuer ? il faut ménager des moments de calme avant la tempête. On peut comparer cela à l'utilisation de couleurs en dessin. Un point noir sur un fond blanc se détachera beaucoup mieux que le même point noir sur un fond gris foncé.
Black dot
Évident ? Oui, mais beaucoup de musiciens cherchent à faire en sorte que tout sonne "puissant", au point que finalement ça en devient fatigant à l'écoute.

On peut parvenir à augmenter les contrastes par l'écriture même de la chanson (un passage guitare/voix suivi d'un passage avec 3 lignes de guitare, 1 basse saturée, une batterie qui se déchaîne), par l'interprétation (les musiciens jouent tout simplement plus fort, plus vite...), par l'utilisation d'effets (saturation, compression...).

Les contrastes n'ont pas forcément besoin d'être immenses, tout dépend de ce que vous cherchez à produire comme sensation à l'écoute, de ce que vous cherchez à transmettre comme émotion, du style de la musique, du sujet traité, de vos envies... Depuis quelques années, trop de chansons ressemblent à ça :
Over compression
Faites plaisir à vos oreilles et à celles des autres : évitez de faire pareil

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EQ

L'EQ, c'est l'égalisation. Pour faire chic, on prononce "ikiou", à l'anglaise. C'est un outil qui permet de régler le niveau des fréquences qui composent le son. En gros, c'est comme un bouton de volume, mais au lieu de jouer sur le volume de tout un morceau, vous choisissez de ne baisser ou augmenter le volume que des fréquences de votre choix. Comme sur un ampli de chaîne hifi par exemple : vous y trouvez des boutons "grave", "médium" et "aigu". C'est un EQ simple. Vous choisissez grâce à ces boutons de mettre plus ou moins de grave, de médium ou d'aigu.

Et bien pour mixer votre chanson, vous allez appliquer ce principe à chacun des instruments qui la composent.

Le but de l'égalisation est simple :

Sculpter le son, de manière à ce que chaque instrument occupe prioritairement les gammes de fréquence qui le définissent le mieux, sans empiéter sur les autres instruments.


Autrement dit, baisser le niveau des fréquences qui ne sont pas indispensables à un instrument sans déformer le son de ce dernier, et faire en sorte que les fréquences des différents instruments ne se chevauchent pas. Chacun d'entre eux occupera ainsi son propre espace sonore, sans empiéter sur celui du voisin, ce qui permettra de bien séparer et de mieux distinguer les instruments les uns des autres.

La difficulté est de faire cela sans dénaturer le son des instruments, et aussi de parvenir à distinguer des instruments qui ont par nature des fréquences importantes en commun.

Vous en déduirez également que plus il y a d'instruments présents simultanément, plus le travail de mix est complexe.

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PANORAMIQUE

En musique, on travaille généralement en stéréo. On a deux oreilles, on écoute de la musique avec des casques (deux embouts, un pour chaque oreille) ou sur des enceintes (souvent deux) et la plupart du temps, c'est donc la stéréo qui est utilisée : droite-gauche.

La panoramique, c'est ça :

Travailler sur l'étendue spatiale d'un son, de droite à gauche.


En plus du travail d'égalisation défini plus haut, on va pouvoir aussi séparer les instruments les uns des autres dans l'espace. Si vous avez deux guitares qui jouent simultanément dans la chanson, vous allez en mettre une à gauche et l'autre à droite. Cela permettra non seulement de mieux les distinguer l'une de l'autre, mais également d'équilibrer le son entre les deux oreilles.

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COMPRESSION

Ce procédé joue sur la portée dynamique d'un signal sonore en réduisant la variation d'amplitude du son.

La compression permet de réduire l'écart entre les niveaux les plus faibles et les niveaux les plus élevés.
Kjaerhus Audio Classic compressor
Je vais utiliser ce compresseur pour l'exemple. Tous les compresseurs présentant les mêmes fonctions de base, il sera facile de reproduire les manipulations sur d'autres modèles. Attention toutefois, chaque compresseur réagit différemment des autres et des réglages identiques (mêmes ratio, attaque, release, etc.) ne donneront pas le même résultat. Ne faites pas aveuglément confiance aux chiffres, vos oreilles restent votre principal outil de travail et vos alliées les plus fidèles.

Voyons comment cela fonctionne :

- Threshold (seuil) : cela définit le niveau à partir duquel le compresseur va agir sur le son, 0 représentant le niveau maximum du son. Lorsque votre signal audio dépasse ce seuil, il est compressé dans les proportions données par le ratio.
- Ratio : c'est le niveau de compression que vous allez appliquer. Un ratio de 1:1 n'a aucun effet, tandis qu'un ratio infini va limiter le son au niveau défini par le Threshold. Dans ce dernier cas, le compresseur agit comme un limiteur, et rien n'ira plus haut que le seuil. Plus le ratio sera élevé, plus le son va être compressé et plus le volume va être réduit (avant d'agir sur le bouton "output", qui est le niveau de sortie). Exemple : à un ratio de 5:1, lorsque le signal dépasse le Threshold de 10 dB, la compression ramène ce niveau à 2 dB. Donc, au final, le niveau sera atténué de 8 dB, ce qu'on pourra compenser avec le bouton Output.
- Knee : le mot signifie "genou", mais cela correspond en fait à un coude dans la courbe de compression. Ce bouton définit à quel point la compression agira avant et après le Threshold. Avec un Knee "soft", la compression se fait en continu, mais elle est de plus en plus importante au fur et à mesure que le signal dépasse le Threshold. Avec un Knee "hard", la compression ne se déclenche qu'une fois que le signal dépasse le Threshold.
- Attack (attaque) : ce bouton indique le délai après lequel la compression réagit une fois le seuil atteint. Il faut le régler très court (0 msec) pour compresser le signal dès que le Threshold est atteint et plus long pour ne pas compresser l’attaque d’un instrument. Par exemple, pour une guitare solo, si on veut bien garder l'attaque des cordes, on va régler l'attaque sur 10 ou 20 ms. Tout dépend du son qu'on veut obtenir.
- Release (relâchement) : Ce bouton indique le délai après lequel la compression va continuer même après que le volume sera revenu en-dessous du Threshold. Un release long permet d'éviter un changement de gain trop brutal.
- Output (sortie) : Il peut aussi s'appeler "Gain". Ce bouton sert à régler le niveau de sortie du son après la compression. Il sert à compenser la perte de niveau sonore due à la compression.

Donc en gros, la compression va prendre toute l'énergie sonore qui se trouve entre le seuil et le niveau maximum du signal d'origine et la condenser dans un écart plus réduit, et comme en plus on remonte tout le volume du signal, cela donne au final un son plus dense, plus riche que le son non compressé.

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RÉVERB

La réverbération permet d'ajouter un peu d'air à un enregistrement, qui risque de sonner trop sec, trop confiné sans cela. Il n'est pas nécessaire d'en mettre beaucoup, au risque de noyer le son et de donner l'impression d'avoir enregistré dans une cathédrale, où tout résonne de partout. Cela peut bien sûr être un effet voulu à un moment donné d'une chanson, sur un instrument en particulier, mais il est peu probable que vous souhaitiez appliquer cet effet à haute dose sur l'intégralité d'une compo.

Il est hautement recommandé d'en mettre sur les voix, à petite dose. Cela ajoute de la profondeur. Plus vous en mettrez, et plus le son donnera l'impression de s'éloigner, de se perdre dans le mix. Au contraire, moins vous en mettrez et plus la voix donnera la sensation d'être mise en avant.

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DELAY

Le delay est un effet sonore qui permet de décaler un signal dans le temps puis de le répéter régulièrement. C'est comme un écho : criez, vous entendrez donc d'abord votre voix, puis quelque temps après, vous entendrez l'écho de votre voix répété une ou plusieurs fois.

C'est un effet relativement proche de la réverb, avec une différence de taille : avec le delay, le son ne traîne pas en longueur, il ne fait que se répéter et ne génère donc pas de son continu d'ambiance. On peut par exemple l'utiliser en remplacement d'une réverb pour éviter de surcharger le mix.

En général, on règle cet effet en se calant sur le tempo de la chanson. À vous de choisir à quel rythme les échos vont se faire. Voici un tableau pour vous aider :
Delay en fonction du tempo
Cliquez sur le tableau pour télécharger le fichier Excel correspondant ("Delay by Tempo & Instrument Frequencies.xls" - 64 Ko)
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PROFONDEUR

En jouant sur le volume, mais aussi sur les fréquences ou certains effets comme la réverb, il est possible de donner l'impression qu'un son est plus ou moins éloigné de l'auditeur. Cela permet de donner du volume à une chanson.

Dans la vie de tous les jours, à quoi reconnaît-on un son distant ?

D'abord, son volume est faible. Relativement en tout cas. Une moto dont le moteur rugit au loin fera beaucoup moins de bruit que si elle était à 2 mètres de vous. Donc première chose à faire, baissez le volume de l'instrument à éloigner.

Ensuite, les sons distants qui parviennent à vos oreilles ne comportent pas beaucoup de grave. C'est comme ça... les fréquences graves ont besoin de beaucoup d'énergie pour se déplacer. À moins d'entendre une explosion ou un son particulièrement puissant, les basses n'arriveront pas jusqu'à vos oreilles. Coupez donc les fréquences basses à l'aide d'un coupe-bas (ou passe-haut, c'est pareil) qui va supprimer les basses fréquences en fonction du réglage choisi. Ou utilisez un égaliseur pour diminuer les basses fréquences.

À l'autre extrémité du spectre sonore, les hautes fréquences d'un son distant sont également dégradées, car elles sont absorbées par les obstacles qu'elles croisent sur leur route. Alors il faut réduire aussi ces hautes fréquences.

Les sons distants semblent également indistincts, peu intelligibles. Prenons l'exemple de la parole : si vous entendez une voix éloignée, vous allez bien entendu reconnaître qu'il s'agit d'une voix humaine (oui, le cerveau est formidable), vous reconnaîtrez probablement s'il s'agit d'un homme ou d'une femme, mais vous ne comprendrez pas ce que cette personne dit. Il va falloir restituer ce manque de clarté pour simuler la distance. Pour cela, un petit peu de réverb, un léger chorus ou un petit phaser feront l'affaire. Il faut faire des essais pour voir ce qui convient le mieux en fonction de la musique.

Les sons distants ont souvent une origine un peu indistincte. On ne sait pas toujours d'où vient précisément ce son un peu faiblard qu'on entend vaguement dans le lointain. Alors placez de préférence l'instrument éloigné au centre du panoramique et laissez les côtés aux instruments que vous cherchez à mettre plus en avant.

À l'écoute d'une musique, l'auditeur va se focaliser principalement sur des éléments changeants. L'utilisation d'un motif musical plutôt court et répétitif, traité comme décrit ci-dessus, va vite être oublié par l'auditeur. Il va donc être relégué automatiquement au second plan. Le rôle d'un instrument qui joue "dans le fond" est d'ajouter à la richesse du morceau, sans pour autant être suffisamment intéressant pour focaliser l'attention. Il faut donc lui garder une certaine simplicité mélodique pour qu'il se fonde sans se faire trop remarquer.

Et bien entendu à l'inverse, ce qui est mis en avant, c'est ce qui est plus fort en volume, plus riche en basses et en aigus, plus changeant (tant dans l'espace qu'en mélodie) et plus surprenant.
Exemple d'une voix qui s'éloigne progressivement de l'auditeur
(vidéo, cliquez pour lancer la lecture)

Lecteur vidéo Flash pour tutoriel Home Studio

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CONCLUSION

Quand on ajoute des effets, on écoute avec l'effet activé puis on désactive, puis on réactive, etc. pour essayer de voir si l'effet ajouté est bien dosé, s'il est vraiment utile, s'il n'est pas trop agressif, trop présent ou trop en retrait. Chacun ses goûts, mais une réverb trop présente par exemple risque de noyer le morceau et de le rendre inaudible. Il faut savoir doser ni trop, ni trop peu. Trop peu, ça ne sert à rien, autant enlever carrément l'effet, mais trop, ça alourdit tout et ça peut gâcher tout le morceau.

Souvent, on se rend compte qu'un effet réussi est un effet qu'on n'entend que lorsqu'il n'est plus là. On s'aperçoit qu'il manque lorsqu'il est désactivé, même si on n'arrive pas clairement à le distinguer lorsqu'il est activé.

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Cyril All You Bring
le 30/01/2012 à 20h34

Merci pour tes infos, j'ai pu y voir un peu plus clair sur le monde du home studio.
Je possède déjà une carte son line 6 UX2 avec POD Farm, des enceintes de monitoring, j'ai pu essayer Cubase, Audacity et possède Ableton Live et grâce à tes infos, j'ai compris la fonction de certains outils et comme je n'y connais pas grand chose, cette lecture m'a permis de me conforter dans mes idées.
Notamment que Ableton Live était plus axé live... quand je suis dessus, je me fais des sons House pendant une heure pendant que mes amis dansent dessus, mais quand je veux enregistrer, je peine !
J'ai cependant plusieurs questions si tu veux bien m'aider (sûrement basiques mais c'est pas grave !) :
Sur mes enceintes de monitoring, j'ai 2 potards (un sur chacune) "HF LEVEL" qui me laisse le choix entre -2, -1, 0, et +1 db...
Sur quoi cela influence-t-il ?
Où dois-je le positionner ? La même position sur mes 2 enceintes ?
Je n'entends pas la différence lorsque j'écoute simplement de la musique...
Cela a-t-il un rapport avec le "zéro du mal" à ne pas dépasser ???
Et je rencontre un autre problème sur Cubase ou Ableton Live : J'enregistre une piste, genre rythmique, jusque-là c'est cool.
J'enregistre une autre piste en jouant mon solo dessus, je suis calé (bon presque !), et lorsque j'écoute les 2, ma 2ème piste est décalée... Snif, what the fuck ???
Comment régler ce problème sans être obligé de recaler mes 2 pistes par la suite, ce qui est galère !

En tout cas, merci beaucoup pour tes infos claires et précises qui m'ont déjà beaucoup aidées !

Stay rock !

* * * * * * * * * * * * * * * *

Bonjour Cyril,

Merci d'être passé sur mon site !

En ce qui concerne les potards HF Level (High Frequency Level) de tes enceintes, il s'agit d'un bouton d'ajustement du volume des hautes fréquences (fréquences aiguës). Ces potards servent à ajuster ces fréquences de quelques dB pour compenser un éventuel problème d'acoustique de ta pièce. En effet, dans les pièces non traitées acoustiquement, ce qui est le cas de la majorité des home studistes amateurs, le son qui sort des enceintes va aller se taper sur les murs, rebondir, et faire un peu n'importe quoi avant d'arriver dans tes oreilles. La précision des enceintes de monitoring sera mise à mal dans une pièce à l'acoustique incertaine. À ta place, je laisserai les 2 potards à zéro. En fait, comme il y a de fortes chances que ta pièce ne soit pas spécialement traitée pour le son (pas plus que la mienne, d'ailleurs), pour connaître vraiment la justesse de tes enceintes et pouvoir ensuite mixer convenablement, tu vas simplement devoir apprendre à connaître ses réactions dans les graves et les aigus en écoutant tes musiques de référence et en cherchant à mixer de manière à obtenir des mixes que tu jugeras proches de ces références. Puisque les disques de professionnels sont mixés et masterisés dans de bonnes conditions, tu peux t'y fier.
En tout cas, cela n'a rien à voir avec le "zéro du mal" qu'il ne faut jamais dépasser. Ce zéro-là est le volume à ne jamais dépasser lors de l'enregistrement. Lors du mix, chaque piste doit aussi rester en dessous de 0 dB (et même idéalement bien plus bas que ça), et la piste master aussi. Tout cela avant traitement (piste sans plugins), comme après (une fois les plugins ajoutés).

Tu ne m'as pas posé la question, mais ceci pourra intéresser des gens :
Le plus important, c'est de placer tes enceintes au meilleur endroit possible, si tu as le choix du placement. Parfois, chez soi, entre la fenêtre, la porte, l'armoire et le radiateur, il ne reste pas vraiment de choix ! Trouve l'endroit le plus approprié pour que les sons stéréo te parviennent bien là où ils doivent être lorsque tu es assis en position d'écoute. Que les sons centrés semblent se trouver en face de toi, que les sons à gauche soient bien à gauche, etc.
Si ta pièce n'a pas une acoustique géniale (si ça résonne un peu par exemple), place tes enceintes de façon à ce qu'elles ne soient pas trop loin de tes oreilles. Quand tu es assis, tes enceintes doivent être si possible à hauteur de tes oreilles, et orientées vers toi. Vous devez former un triangle, toi et tes enceintes. Assieds-toi face à ton bureau, et tends les bras vers tes enceintes (bras gauche vers enceinte gauche, bras droit vers enceinte droite) : tes enceintes doivent être placées à la même distance par rapport à toi, pour que le son de chacune d'entre elles parvienne à tes oreilles en même temps.
Pour mixer, le bon volume est un volume qui ne t'empêche pas d'avoir une conversation normale avec quelqu'un qui serait dans la pièce. Enfin ça, c'est dans le but de protéger ses oreilles et d'éviter la fatigue auditive. Pour vérifier certains détails (ou se faire plaisir), on monte le son, ou même on vérifie au casque, qui agit comme une sorte de zoom auditif.

Alors en revanche pour ton problème de décalage entre deux pistes, je ne sais pas. Un problème de latence peut-être, ou de réglage d'horloge ? Je suis désolé, mais comme je ne possède ni la Line 6, ni Cubase, ni Ableton, je ne vais pas pouvoir t'être d'un grand secours à ce sujet. Essaie les forums du site Audiofanzine, tu auras plus de chances de trouver des réponses.

Grebz



marco
le 08/01/2012 à 23h31

Super site, merci pour tout ce travail, j'y vois enfin plus clair dans le monde de la MAO, et merci pour tous les sons des amplis. J'ai un son de guitare qui tue !!!



grohl
le 03/01/2012 à 22h22

Salut grebz,

Tout d'abord bravo pour ton site.
Je te contacte en fait parce que j'ai plusieurs questions à te poser.
Je suis une quiche en info mais pourtant j'aimerais bien m'amuser à enregistrer mes compos via un simulateur d'ampli.
J'ai téléchargé Kuassa amplifikation lite et le souci c'est que je n'ai aucun son qui sort quand je branche ma guitare sur le PC.
En matos, je n'ai pas grand chose, j'ai testé comme ça avec mon PC portable et sa carte son avec ma gratte branché en direct et mon casque audio basique mais qui fait le boulot.
Première question:
mon matos et mes branchements correspondent-ils ?
Si non, que me conseilles-tu comme matos à pas cher pour que je puisse me faire plaisir ?

Je t'en remercie d'avance

A+
Grohl

* * * * * * * * * * * * * * * *

Je manque un peu de détails mais a priori, tu n'as pas vraiment l'équipement pour jouer convenablement de la guitare sur PC via un simulateur d'ampli.

Premier point :
Kuassa est un VST, c'est à dire un plugin. Les VST ne peuvent pas être utilisés indépendamment, ils viennent se greffer sur un logiciel hôte, en général un séquenceur.
Il existe des logiciels qui ne sont pas des séquenceurs mais des "hôtes VST" qui permettent d'utiliser des VST sans séquenceur. J'en connais un gratuit, mais je ne l'ai jamais testé, donc je ne sais pas s'il fonctionne bien ou pas. Il s'appelle tout simplement VST Host : Télécharger (vshost.zip, 194 Ko).
S'il marche, très bien, cela épargne l'achat et l'utilisation des séquenceurs, qui sont quand même un peu complexes pour ceux qui n'ont pas envie de se prendre la tête et qui veulent simplement pouvoir jouer. En revanche pour s'enregistrer, l'utilisation d'un séquenceur devient indispensable.
Voir ma page sur les séquenceurs pour se faire une idée.
Comme dit sur la question précédente, je conseille d'essayer Reaper pour diverses raisons. Fiable et peu cher, tout en gardant en tête qu'un séquenceur n'est pas évident du tout à prendre en main quand on débute totalement. Mais c'est comme tout, si on veut vraiment, on peut et il suffit d'apprendre. Pas toujours évident, mais loin d'être insurmontable.

Deuxième point :
La carte son intégrée à l'ordinateur portable... Elle a deux défauts pour ce que tu veux en faire.

- D'abord elle n'est pas conçue pour le volume sonore très faible qu'une guitare électrique lui envoie quand tu la branches en direct. Les guitares électriques (ou électro-acoustiques... toutes celles qui se branchent, quoi) ont besoin d'une amplification, ce que la carte son intégrée à l'ordinateur n'offre pas.
Pour remédier à cela, il faut donc soit passer par un préampli (exemple ici), soit, ce qui est bien mieux, par une véritable interface audio (ici).

- Ensuite, les cartes audio basiques provoquent de la latence, c'est à dire un délai entre le moment où l'on joue sur l'instrument et le moment où on entend le son dans le casque ou les enceintes. Et cette latence est souvent trop grande pour permettre de jouer dans de bonnes conditions (une bonne demi-seconde, ce qui est énorme).
On peut y remédier grâce à Asio4All (site officiel), un petit logiciel qui permet de réduire fortement la latence des cartes audio de base, mais ce n'est pas l'idéal malgré tout.

La meilleure solution reste vraiment l'interface audio. Pour du matériel correct, il faut quand même compter aux alentours de 150 euros en entrée de gamme, et il ne faut pas être surpris de tomber sur des prix d'interfaces entre 300 et 1000 euros ! Oui, la MAO a malheureusement un coût.

Troisième point :
Le casque... je ne sais pas ce que c'est comme modèle, mais comme je le dis dans mon didacticiel, mixer au casque n'est pas très recommandé, sauf (et encore...) avec de très bons casques spécifiques. Bon, n'exagérons pas, on peut très bien débuter et se faire plaisir avec du matériel de base. Si vraiment ça devient une passion et qu'on veut absolument faire "aussi bien que les pros", il faudra investir dans du matériel plus complet et plus haut de gamme. Mais chaque chose en son temps et à moins d'avoir de l'argent à claquer, il est raisonnable d'être prudent (et prudent d'être raisonnable). Commence donc avec ce que tu as comme casque, l'investissement dans des enceintes de monitoring viendra plus tard.

En résumé :
Guitare -> (préampli) interface audio -> ordinateur -> séquenceur -> simulateur d'ampli -> simulateur de baffle -> casque

Grebz



Gulibert
le 03/01/2012 à 21h19

Bonjour Grebz,
Très intéressant ton site, je m'en inspire pour certains achats... :-)

J'ai, en fait, une question ou "un service" à te demander. Puisque tu as de l'avance sur moi en terme de MAO.
Chansonnier et guitariste de la vieille école, si je désire être "accompagné" d'un ordinateur pour ajouter 3-4 instruments de plus à mes représentations. Est-ce que tu me suggères quand même Sonar ? Car je me suis amusé avec la version démo et bien qu'il soit puissant, je ne veux que "préparer le montage" de mes chansons, ajouter une playlist ou une banque et lancer l'accompagnement avec mon interface midi...

Merci de tes lumières sur ce sujet...

Gulibert

* * * * * * * * * * * * * * * *

Je ne suggère pas Sonar plus qu'un autre séquenceur. Si je parle de Sonar dans mes descriptions, c'est tout simplement parce que c'est le séquenceur que j'utilise. Si j'étais utilisateur de Cubase ou ProTools, c'est d'eux que je parlerais.

Mon conseil pour ne pas dépenser trop d'argent serait d'essayer Reaper. C'est un séquenceur comparable à Sonar ou Cubase, avec ses qualités et ses défauts, mais qui permet de faire tout ce que ces deux autres séquenceurs permettent. Les fonctions ne sont pas forcément toutes identiques, l'interface est un peu différente, le nom des paramètres ne sera pas toujours le même, mais c'est grosso modo la même manière de procéder.

L'avantage de Reaper ? Son prix. On peut le télécharger et l'utiliser gratuitement sans limitation, en version 32 ou 64 bits. Comme il n'est pas bridé, et contrairement à une version démo, on a accès à toutes ses fonctions. Mais attention ! Ce n'est pas un logiciel gratuit pour autant. Si vous le téléchargez et que vous l'utilisez vraiment, pas seulement à titre d'essai, vous devez l'acheter.

Contrairement à ses concurrents, Reaper ne coûte que 60 dollars (45 euros), là où les versions complètes de sonar ou Cubase avoisinent plutôt les 400 euros ! Il existe aussi des versions light de ces derniers, aux alentours de 100 euros et ils peuvent aussi constituer une excellente solution. La différence, c'est que Reaper n'existe qu'en une seule version, complète. mais en contrepartie, Sonar et Cubase proposent plus de logiciels annexes (des synthés, des effets, etc.) fournis au moment de l'achat que Reaper. Mais comme tous ces outils complémentaires se trouvent facilement et gratuitement sur Internet, l'avantage n'est pas forcément déterminant.

Je t'encourage donc à au moins essayer Reaper, et puisque tu as déjà essayé la démo de Sonar, cela te fera un point de comparaison pour faire ton choix ensuite. Si tu as le courage, tu peux aussi essayer les démos d'autres séquenceurs comme Cubase.

Grebz



Jvne
le 06/12/2011 à 12h40

Merci beaucoup Grebz, pour cette mine d'infos - sur les impulsions notamment.
Au plaisir.

* * * * * * * * * * * * * * * *

De rien !

Grebz

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